Programma della disciplina: Pittura

Disciplina: Pittura
Docente: Massimo, Barzagli
Livello: Biennio
Piani di studio di riferimento: Pittura
Area disciplinare: Pittura
Settore scientifico disciplinare: Pittura
Descrizione corso:


Accademia Albertina Di Belle Arti di Torino


AA 2018/2019


Scuola di Pittura










Programma didattico Triennio e Biennio















PAINTING                                            Triennio


CONTEMPORARY PAINTING           Biennio perfezionamento


PAINTING  PROGRAM                      Professor Massimo Barzagli



3-YEAR DEGREE PROGRAM – 2018/2019 Academic Year



Painting in New York City from ‘The Apartment at Washington Square’ to street painting (1950 – 1980)

Painting at the edge of the law: ‘the raids’

Contemporary painting and art as protest

 The move away for easel painting, from Alfaro Siqueiros and Sebastian Matta to the Street Art Generation. Subsequently moving on to look at painting in the 1990s and how those generations went about capsizing the discipline’s artistic language.

The crisis of performance art in relation to sculpture. Xavier Leroi and Charles Ray, the advent of Tino Segal and how choreography became part of the language of contemporary performance art, the concept of ‘Performing You’, feasible architectural spaces…

‘Art collectives and artistic independence’

In-depth analysis of the New York contemporary art scene, art collectives, the relationships between musicians, dancers, composers and choreographers, the New York scene from San Marc Church to Movement Research




‘Painting in New York, running a small studio

An analysis of ideal, economically viable locations in New York from which to operate a small studio for 1 – 3 months, where to buy materials (the large Art Material Shops) and the gallery districts (visiting and attending openings).

History of the origins and evolution of a large New York gallery:

Leo Castelli Gallery from 1958 to 2019

Michele Maccarone, from 2002 to 2019


‘Iconoclasm and Site-specific art’

We will analyse how the concept of Site-specific art expands and constricts according to the place of installation, taking specific examples into account. For example: we will analyse Fontana’s work as a place of action for the advent of an event, comparing ‘Il taglio in campo rosso’ to Heizer’s rock in the Californian desert entitled ‘Levitated Mass’ 


How and when the iconoclastic gesture should come about inside the work we’re creating.  The power and independence of colour, the liberation of colour, ready – made colour, theoretical study (il verde di tutti), Alighiero Boetti’s ‘Rosso Gilera’.  

In-depth analysis of the figures of Cesare Brandi and Ragghianti, studied in connection with Rosalind Krauss and Hal Foster. 


‘Study and analysis of pictorial materials, grammatical analysis of methods and signs’

‘Monthly tour of the Galleries and Museums of New York’

One day a week will be dedicated to visiting the web sites of the galleries and museums of New York – a useful activity not only for students who are unfamiliar with the city, but also for those who intend to visit New York for the first time. 

This monthly tour will allow students to develop a background knowledge of the neighbourhoods, locations and exhibition sites. 

Planning and construction of the contemporary painting course website. 


The current second year students are already involved in the planning of a course website. During the 2018/2019 academic year, photographs were taken to record each stage of the artistic process relating to the paintings and works. The photography was for the most part carried out by one student. The website will be operative in all languages spoken by the students enrolled on the course; currently English, Chinese, Farsi and Italian. 

It has yet to be decided whether or not this site will run parallel to the Accademia’s official website, or whether is will be an independent website in its own right.  






First Year


As in previous years, first-year students will conduct an initial discussion with their teacher. Following this discussion, the students can then guide themselves independently around the methods of research and experimental study that the course encompasses. 

‘Claude Monet: The evolution and deconstruction of painting’

During the 2018 / 2019 academic year two students participated in the course ’Claude Monet: Evolution and deconstruction of painting’. Over the course of the programme these students conducted an in-depth examination of the pictorial work by the great French Master. The book used for this course was ‘Monet’ by Arcangeli, and the students went on to produce large works using oil on paper. These students initially set out by tackling some small sketches by way of copy and reproduction. They conducted an in-depth study of how the theory of evolution and deconstruction has developed since Monet; hence artists such as Jackson Pollock and more recent artists such as Ryan Sullivan were also investigated in this context. The fact that the students were able to produce highly original works following this study of Monet highlights how important solid research can be to gaining a more profound artistic understanding. One of the students was subsequently able to produce a very individual large-scale painting that demonstrated clear evidence of reflective painterly research. 


For the 2018/2019 academic year links have been set up with the Monet Marmottan Museum in Paris. These connections mean that the student will be able to study the works first-hand and access official photographic material in order to study a large – scale ‘Water Lilies’. 



Second Year


‘Paint before Painting’

The painting course for the second year will focus on the idea of carrying out an in-depth analysis before the actual act of painting. Given that the ‘Act of Painting’ is independent of the materials used to complete a work, this precise conceptual moment will be investigated in detail. 

‘Awareness and Action’

For the 2018/2019 academic year Contemporary Painting course, students will investigate the ways in which performance is connected to painting. Using the famous text by Paul Valery ‘Degas, Dance and Design’, the students will be encouraged to scrutinize the performance method that originated in ‘Contact Improvisation’. By basing their research on ‘Body Awareness’, students will acquire a deeper knowledge of the procedures of performance art. 

Study of cross-contamination between contemporary dance and contemporary painting. Here the student can expound upon the notion of treating the actual act of painting as something external to painting itself. Group work and group orientation is encouraged for second year students. 


‘Land Painting and Real animals’


During the 2018 / 2019 academic year, all students enrolled on the course will be invited to further their knowledge of the relationship between the natural world and painting and pictorial behaviour. 


The possibility to study real animals is particularly recommended for students interested in anatomical study or the pictorial relief of reality. The broadening of theoretical knowledge will go hand in hand with all of the formal and experimental painting experiences that will be covered during this study section. 



Final Exam


First and second year exams: 

Evaluation methods


Given that this degree program as a whole is a platform for study, the first and second years will involve a substantial amount of teaching. Participation is at the student’s discretion, although rash attitudes relating to attendance are discouraged and in fact the student will constantly be required to provide updates concerning the development of their work. Group work and team building are considered to be of the utmost importance. The students will be assessed globally in terms of how the course has furthered their knowledge and how they have followed and carried out the specifics of the course program. This will also take into account alterations to the program in the event that they have been deemed necessary. 

At the end of the academic year, the work produced by the students will be displayed in the Painting Pavilion of the Accademia as part of a real ‘Collective Exhibition’. Throughout the year, each student will have a space or two at their disposal where they can carry out their work. Given that each student will be required to document their progress and the development of their theoretical knowledge of painting throughout the academic year, these allocated spaces might include literary documents, various texts, pieces of music, film clips and so on, in addition to the paintings. 


The first year and second year exam involves the students presenting their own course exhibition. The grade awarded will be a group grade, given that the presentation of the work is a group project. Each student is therefore assigned a grade reflecting the overall grade awarded to the group. During the presentation of the work, members of the examining board and visitors to the exhibition will have the chance to talk one-on-one with the students in front of the work on display. 


The following aspects will not be taken into consideration regarding the final grade: Manual ability, style, good attitude or talent, speed of carrying out works, level of preparation and technical knowledge of painting and drawing. However, the willingness to research and gain a deeper understanding of painting and study in general will be taken into account. 



Third year: 

Thesis and evaluation methods


The students of the third year are considered to be in a position of authority. They will be required to think of themselves as painters working within their own studio, and must plan their thesis as if it were an important undertaking such as a large-scale personal exhibition. It is recommended that the third year student develops all aspects of authorship, and they will be required to plan the presentation of their painting thesis, selecting a location within the Accademia that is formally adequate for the installation of their work. 


The third year thesis will be graded in a different way to the work of the previous years. Each young artist will receive a theoretical judgement and grade based on their individual artwork. The young artist will prepare the painting thesis as they would a real, important personal exhibition. It is recommended that the student conduct an in-depth analysis of their project, beginning with the initial idea and moving on to consider the theoretical, philosophical and poetic fundamentals and the more intimate stages of the project such as small drawings, notes, small images and objects – in short, anything that has to do with their work. 

The student will be involved in selecting the location within the Accademia where the formal ‘vision’ of their practical work will be displayed. During the academic year, each student will complete a theoretical thesis, and any editorial support they might need such as paper, electronic devices and chemical substances must be taken into consideration. 

The students will be appraised both individually and as a group. 



Original catalogues form the archives of the galleries studied over the course of the academic year will be placed at the disposal of the students. 



Professor Massimo Barzagli





















Programma Didattico

Pittura Contemporanea


Riflettendo sulla formazione accademica, sulle basi della mia esperienza personale, cercherò di analizzare lucidamente quello che intendo basilare per un fondamento educativo di uno studente di Accademia Di Belle Arti.  Mi riferisco nel caso specifico al corso di Pittura.

Il concetto di Pittura Contemporanea andrebbe sviluppato sulla base delle analisi specifiche. Riguardo ai periodi storici che vengono presi in considerazione dal corso, nel mio caso sarebbe dall’avvento dell’impressionismo ad oggi. Dunque lo svolgimento dei momenti storici andrebbero analizzati ricollocandoli nella contemporaneità di quel preciso momento.

Premessa: credo indispensabile per la formazione di uno studente di pittura un’analisi di tutti i procedimenti grammaticali che possano permettergli di avere una coscienza riguardo all’utilizzo dei materiali, dei supporti, dei media, delle tipologie installative della pittura. Questo per permettere allo studente di allontanarsi da un’area che chiameremo “naïve”.

Da qui dovremo affrontare, ad esempio riferito al mio progetto di corso, un’analisi che ci farà capire meglio che grado di evoluzione la pittura ha raggiunto.


Cosa differenzia fondamentalmente il lavoro di Gustave Courbet, Edouard Manet e i pittori più giovani, come Claude Monet, Paul Cézanne, o addirittura il fotografo Nadar.

Cercherei di fare capire allo studente le modalità attraverso le quali, in quel                   momento,  avvenne la grande rivoluzione della “prima reinvenzione dei media”.

Sia Manet, ancora legato per certi aspetti alla tradizione “museale”, che Courbet,  il quale sinvece se ne era distanziato in parte, come impianti sono ancora formalmente legati ad una applicazione grammaticale “Romantica”. Entrambi i maestri sono in un momento di grande transizione, e se Courbet è più staccato concettualmente dal museo, Manet grammaticalmente ha uno stato di atteggiamenti più avanzati e sarà lui infatti il primo tra i due ad abbandonare “il fondo bruno” per dare spazio all’utilizzo della “tela bianca”.

Nel giro di un decennio in tutta Parigi la tela sarebbe diventata una sorta di schermo bianco,  forse non così distante da quello schermo che, con la nascita della fotografia, sarebbe diventato lo schermo bianco del cinematografo.

La fotografia in precedenza era nata negli studi dei botanici, da W.H. Fox Talbot ad Anna Atkins, quasi come “una curiosità appannaggio della scienza”.                                                             Da questa, che fu la partenza, vedremo come gli usi del dagherrotipo e del cianotipo con l’impressione per contatto, proseguirono con Man Ray, passando poi alle collaborazioni “luminose”di  Rauschenberg e Susan Weil e arrivando fino alla mia generazione, che oltretutto ha affrontato queste tecniche, in un momento in cui queste erano divenute ormai ”tecniche morte”. Ritornando a Parigi: cosa avvenne, oltre che la tela diventasse “bianca”, per quasi tutti i pittori? Avvenne che all’improvviso i negozi di belle arti parigini iniziarono a vendere i colori ad olio in tubetto, cosa che rivoluzionò l’uso del colore e che mise in atto quello che sarebbe stato un ready made ante litteram (avremo avuto una intera generazione di artisti che avrebbe dipinto con gli stessi rossi, gli stessi gialli, gli stessi verdi…).

Ritornando allo specifico, che riguarda la formazione dello studente di pittura, mi immagino alla fine del corso un individuo preparato, che conosce perfettamente quello che accade nell’evolversi dei decenni e quindi riesce bene ad analizzare quali sono i dialoghi che hanno i pittori di una generazione con i pittori di quella precedente. Conoscendo e riconoscendo bene che differenza c’è tra i passaggi di stesura spaziale e tonale, ma anche la struttura delle paste, ad esempio di Paul Cézanne nel suo ciclo di montagne, ”Le Mont Saint Victoire” ed il ciclo delle “Maps” di Jasper Johns, o ancora, capire perché Jackson Pollock lascerà il tubetto ad olio per iniziare a dipingere con lo smalto da carrozziere , perché abbandonerà e si libererà dell’ombra di Picasso che non gli permetteva di evolversi…

Quindi l’analisi dovrà essere dettagliata, decennio dopo decennio, tenendo il passo aggiornato riguardo alla contemporaneità, fino ad arrivare ad esempio alla generazione graffitista. I graffitisti, da un lato, come fu per gli espressionisti astratti, erano ancora legati alle indicazioni di un grande surrealista che a New York City aveva lasciato grandi indicazioni, Sebastiàn Matta, ma riuscirono a reinventare nuovamente “il medium” iniziando a dipingere con le bomb spray . Da qui parte tutta l’analisi delle correnti antagoniste della prima metà degli anni ‘80 nei confronti di una pittura più brutale che saccheggiava a piene mani la storia e l’economia.

Dalle vicende di questi anni in cui vengono messe in atto delle nuove strategie pittoriche, da pittori come Dokoupil o Pat Steir, ma anche Wolfgang Laib, arriveremo alla mia          generazione, che alla fine degli anni ‘80 ridiscute la messa in atto dei procedimenti pittorici, da cui la “process painting”. I miei compagni di strada: Ian Davenport e Callum Innes, che tra l’altro tiene la cattedra di Pittura all’Accademia di Belle Arti di Glasgow, appartenevano entrambi alla Young British Artists e si erano formati chi alla Royal Academy, chi alla Goldsmiths College. Io avevo studiato all’Accademia di Belle Arti di Bologna, al corso di Pittura di Concetto Pozzati, che ricordo come un ottimo insegnante.






Programma didattico per un corso di Pittura

Negli ultimi 50 anni, la tradizione dei corsi di Pittura nelle Accademie europee, Colleges e Schools of Visual Art americani annovera nella sua storia una moltitudine di           orientamenti contraddistinti prevalentemente dal momento storico e dallo specifico sentimento dell’arte contemporanea di quel dato momento.

Grandi maestri della Storia dell’Arte, come Roy Lichtenstein, hanno riconosciuto in più occasioni di aver studiato con profitto in quel dato “Black Mountain College” e con quel dato insegnante e quindi di essere stati in un momento della formazione allievi e studenti. Grandi maestri, per inverso, si sono dati all’insegnamento con dedizione tale da coinvolgere le più alte cariche del proprio stato nella propria vicenda educativa (mi riferisco alla cattedra di Joseph Beuys all’Accademia di Belle Arti di Düsseldorf ). Così come grandi maestri sono stati allievi e studenti, altri artisti meno noti sono stati ottimi insegnanti ed hanno avuto nelle diverse discipline cattedre importanti, che in certi momenti storici sono risultate innovative, in altri casi  venivano chiamate sperimentali.

Come vedo un possibile corso di Pittura:

Esistono diverse scuole di pensiero riguardo al processo evolutivo della pittura. Io mi sono definito più volte “evoluzionista”. Ho sempre creduto che dalla seconda Modernità, intesa dal 1800 ad oggi, la pittura abbia vissuto un continuo processo evolutivo, che in certi casi tra Modernità ed Avanguardia non è stato sempre così semplice da identificare con chiarezza.                                                                                                                                  Il mio interesse specifico parte per così dire dall’avvento dell’Impressionismo, cioè dal momento in cui Gustave Courbet e Edouard Manet consegnano il testimone alla nuova generazion di pittori e fotografi . 

Da quel momento in poi, la pittura moderna intraprenderà un cammino che nel corso dei decenni scandirà l’alternarsi delle vicende stilistiche scaturite dalle tendenze.

(1840, 1880, 1900, 1910, 1930, 1950, 1960, 1970, 1990, 2010).

Colgo gli spostamenti delle tendenze come momenti in cui la pittura si è spostata nei sistemi della “tecnica”,  “grammatica”,  “anatomia”,  “gestualità ”,  “concettualità”,  “indagine tonale”.







Primo anno del corso di Pittura:

La Pittura Moderna

Il rapporto con il “medium” e i media

Come primo capitolo di un corso di pittura contemporanea, inizierei con un’analisi dello spostamento direzionale che avviene all’incirca nella seconda metà dell’Ottocento, quando si abbandona la preparazione della tela a fondo scuro e si passa alla tela bianca, e quindi al successivo ingresso in negozio dei colori confezionati in tubetto ad olio.

Considerando che gli studenti del primo anno provengono per la maggior parte da Istituti Statali D'Arte e Licei Artistici e conoscendo i metodi d’insegnamento della pittura concentrerei il primo anno sulla messa in opera dei materiali: uso e conoscenza delle diverse grammature delle tele professionali, utilizzo e messa in pratica delle preparazioni su tele di lino di grandi dimensioni, gestione, progettazione e costruzione dei telai, tiraggio delle tele, uso del tiratela, uso dei colori ad olio in vaso per pittura di grandi dimensioni, miscele e preparazione degli oli per gestibilità dell'essiccamento e del volume ad alto spessore.

Gli studenti dovrebbero essere seguiti personalmente per capirne le poetiche, gli immaginari, i personali livelli di preparazione, rendersi conto quali hanno veramente temperamento artistico, senza sottovalutare quelli che a prima vista ne sembrino sprovvisti (potrebbero riservare sorprese gli anni successivi).


Dovrebbe essere fatto un lavoro di stretta collaborazione con il reparto di Storia dell'Arte per permettere allo studente di entrare in possesso gradatamente di una coscienza pittorica rispetto a quella che è la propria sensibilità, lo studio della tecnica e la collocazione di quella tecnica all’interno della storia della pittura.


Riguardo allo studio dei materiali, sarebbe bene approfondire le implicazioni concettuali dei materiali da mettere in atto e analizzare le differenze tra i materiali non solo sotto l’aspetto formale.

Il riferimento alla storia dell’arte riguardo all’utilizzo di un dato materiale può facilitare lo studente ad apprendere la sostanza concettuale del materiale preso in considerazione, un atteggiamento non lontano dalle indicazioni di Cesare Brandi* o se vogliamo da quelle di

Rosalind Krauss*.







*Cesare Brandi,  Arcadio o della scultura, Eliante o dell’Architettura, Editori Riuniti


*Rosalind Krauss, Reinventare il medium: cinque saggi sull’arte di oggi,  Bruno Mondadori


Secondo anno del corso di Pittura 

Espressionismo Astratto e avvento della Pop Art

Come cambia in Pittura l’atteggiamento nei confronti dei materiali

La reinvenzione del medium: ingresso degli smalti, recupero delle tecniche a encausto (Jasper Johns)*, serigrafia, fotografia, ready made ecc. (Andy Warhol) .


Gli studenti del secondo anno dovranno essere stimolati ad approfondire quelle che sono le proprie caratteristiche pittoriche. Lo studio riguardo alle personalizzazioni e utilizzo del "medium" dovrebbe essere affiancato anche ad un confronto riguardo ai linguaggi che studenti coetanei sperimentano in altre discipline ( performing art*, danza contemporanea, musica, architettura ecc. ).

Possono essere tentati al secondo anno i primi raggruppamenti spontanei degli studenti riguardo alle affinità. Sarebbe bene seguire lo studente di pari passo con il docente di Storia dell'Arte Contemporanea.

Non escludo, anzi favorisco, l'approfondimento di linguaggi paralleli che comunque siano in linea con la materia, quali ad esempio uso del video, (telecamera digitale o analogica), fotografia (sperimentazioni di chimica fotografica), indagine di recupero di materiali desueti a livello internazionale …


Agli studenti del secondo anno verrà richiesta un assidua frequentazione della vita espositiva cittadina ( gallerie, centri d'arte , musei , open studios ecc. ).

Una delle tre giornate didattiche potrebbe in parte essere dedicata alla proiezione e allo spoglio di documenti da utilizzare e analizzare nella settimana.










* Jasper Johns, Barbara Bertozzi, The Seasons, Charta

* Sally O’Reilly, The Body in contemporary art, Thames & Hudson world of art

* Alberto Boatto, Pop Art, Editori Laterza

Terzo anno del corso di Pittura

Graffitismo, Street Art: enfasi della Pittura negli anni ’80


Come la musica, il cinema e la danza entrano nei sistemi della pittura, analisi dei comportamenti, generazioni di artisti graffitisti americani, nuovi selvaggi tedeschi, aspetti della scuola newyorkese e Neo Geo, Peter Halley* e lo spettro della filosofia….


Gli studenti potranno affrontare anche un'uscita dalla pittura, nel senso di sperimentazione di pittura d'azione, analisi dell'atto pittorico, pittura architettonica, pittura e installazione, environment, nuovi aspetti della pittura naturale o neo plein air, land painting, ecc.

Gli studenti del terzo anno dovrebbero iniziare ad apprendere il rapporto con le gallerie d'arte (gestione del lavoro, archiviazione e presentazione, rapporti con la critica d'arte, rapporti con la poesia e la filosofia).

Il lavoro di un allievo del terzo anno di pittura dovrebbe essere mostrato all'interno dell'Accademia sempre in contatto con il docente del corso di Storia dell'Arte Contemporanea.


Una certa conoscenza del panorama internazionale, specialmente quello di ricerca, rapporti con giovani gallerie, verifiche del lavoro con coetanei e giovani artisti.

Uno studente del terzo anno potrebbe visitare gli studi degli artisti che lo interessano, telefonando e chiedendo un appuntamento. Questo servirebbe in seguito per tenere rapporti con altri artisti.

La conoscenza dell'editoria internazionale dovrebbe a questo punto essere approfondita.



Gli Anni ‘90 Post Human e il ritorno del procedimento pittorico: 

Process Painting, scandali, sesso, iconoclastia nella Pittura Contemporanea,    l’esplosione del mercato come valore pittorico formale…

Credo che il terzo anno dovrebbe essere dedicato alla ricerca personale, studio e analisi dei dettagli. Il lavoro pittorico a questo punto dovrebbe essere ad un buon livello formale (linguaggio e grammatica) e varrebbe allora la pena approfondire la struttura degli apparati: il disegno, il progetto fotografico, quello letterario. 

Potrebbero essere stesi i primi tracciati teorici da confrontare sempre con il docente di Storia dell'Arte Contemporanea.

Sempre tenere in considerazione un approfondimento riguardo a tutte le novità che lo sviluppo delle tecniche pittoriche internazionali mettono a disposizione e anche il recupero di quelle in disuso.




Al terzo anno, settimanalmente, l'installazione di una nuova opera potrà essere discussa pubblicamente con tutta l'Accademia previo l'invito formale dello studente, del                 docente, del docente di Storia dell'Arte Contemporanea.


Lo studente del terzo dovrà lavorare per una mostra personale o collettiva da tenere prima della fine dell'anno scolastico.



E’ consigliabile che a questo punto lo studente abbia già  rapporti con critici, scrittori, poeti coetanei, da coinvolgere nel progetto espositivo. La comunicazione degli eventi dovrebbe essere trasmessa a livello internazionale nei centri di documentazione, quali: 

Colleges, Schools of Visual Art, Centri per l'Arte Contemporanea e altre Accademie Internazionali.



Ricerca condotta dagli studenti riguardo tendenze e ricerche pittoriche contingenti al momento in cui si sta svolgendo il corso.

Lo studente a questo punto dovrebbe essere un ponte tra l'Accademia e il sistema dell'arte, dovrebbe essere in grado di portare lui stesso nuove informazioni all'interno dell'Accademia, proporre convegni, inviti a “visiting professors” che potrebbero tenere lezioni, workshop ecc.


Ogni mese lo studente del terzo anno dovrebbe presentare pubblicamente all'Accademia un nuovo progetto da mettere in discussione con tutti i docenti.

L'organizzazione di un evento espositivo a questo punto sarebbe opportuno, anche in altre Accademie internazionali dove lo studente potrebbe presentare un progetto.













* Peter Halley, Scritti sull’arte e altro, Prefazione: Demetrio Paparoni, Tema Celeste, Siracusa 1990

* Jeffrey Deitch, Post Human, Dan Friedman, Editore N.Y Distributed Art  Publisher, Amsterdam, Idea Books, cop 1992

      * Achille Bonito Oliva, Saretto Cincinelli, Process Painting, Editore L’attico Roma,    1993

              * Francesca Alinovi,L’arte mia, Il Mulino, Bologna,1984

Metodi di valutazione degli esami

Primo e secondo anno

Essendo il corso considerato come una piattaforma di studio, la struttura del corso è modulata sostanzialmente sulla concentrazione della didattica. La partecipazione al corso è facoltativa, sostanzialmente si favorisce al partecipante al corso una totale libertà di azione, viene però costantemente richiesto un aggiornamento riguardo anche al più piccolo spostamento riguardo all’evolversi delle lavorazioni in cantiere. Il lavoro di gruppo o “relazionale” è considerato fondamentale. La valutazione globale viene messa in atto come una valutazione di gruppo. Il corso ha una valutazione globale rispetto a come ha approfondito, seguito e attuato il programma stesso, anche nelle fasi di trasformazione, volta volta, diventate necessarie.

Le opere del corso sono alla fine dell’anno accademico esposte nel padiglione di Pittura come in una vera “Esposizione collettiva”. Ogni studente ha a disposizione uno o più spazi architettonici dove durante l’anno ha eseguito le proprie opere. Ogni studente ha approfondito teoricamente quello che man mano si rendeva necessario approfondire a livello teorico. Quindi in ogni spazio oltre che alle opere potremo trovare documentazioni librarie, testi vari, pezzi musicali, spezzoni cinematografici o altro…L’esame di primo e secondo anno consiste nella presentazione della mostra del corso, la valutazione è collettiva come la presentazione delle opere. Viene quindi assegnato ad ogni studente un voto che corrisponde al voto di tutta la classe. I commissari e visitatori, durante la presentazione dell’esame, avranno la possibilità di confrontarsi con ogni studente di fronte a tutte le opere esposte.Non sarà presa in considerazione come metodo di giudizio e confronto nessun tipo di abilità manuale, stile di appartenenza, buona attitudine o talento, velocità di esecuzione e tantomeno preparazione e conoscenza tecnica della pittura o del disegno. Sarà invece tenuta in considerazione la volontà di ricerca di approfondimento, di confronto e di studio in genere. Le tesi di biennio specialistico si differenzieranno da quelle del triennio perché considerate “Autoriali”

Sarà redatta dall’Autore,  una tesi su se stesso, sulla propria opera relazionata o no ad altri autori o fonti a discrezione dello studente. Sarà considerata come una dichiarazione di fine percorso Accademico. La tesi potrà avere forma di monografia o altra concezione editoriale formalizzabile in qualsiasi formato e su qualsiasi supporto. Sarà libertà dello studente scegliere il professore relatore di tesi anche esterno all’Accademia. Il Docente di Pittura si rende disponibile ad essere relatore per tutti gli studenti che lo desiderino.







Specializzazione per L’Anno Accademico 2018/2019

biennio perfezionamento

dall’università al museo

La nuova generazione di artisti nati tra il 1988 e il 1994

apparsi nel sistema dell’arte


Azioni in cui si sviluppa il progetto e tempi di esecuzione


L’azione del progetto si svilupperà a New York City durante la primavera

del 2019 in un periodo compatibile all’orario Accademico.

Il periodo potrà variare dalle 1 alle 2 settimane di permanenza.

Il progetto di ricerca programmato per la primavera de 2019 sarà

consequenziale a quello svolto nella primavera del 2018 che si era

concentrato sull’archiviazione degli accessi al sistema dell’arte da parte

dei giovani artisti provenienti dai Colleges Internazionali.

La ricerca nel 2018 si è svolta al New Museum of Contemporary Art,

al Whitney Museum of American Art, al MoMa The museum of

Modern Art and MoMa PS1.

Analizzando le diverse esposizioni curate nei tre diversi centri, ho potuto

constatare l’ingresso nel dibattito artistico museale del sistema dell’Arte

della generazione di artisti nati dal 1988 fino al 1992.


– Finalità del progetto di ricerca


La finalità del progetto from university to museum che svolgerò

durante la mia permanenza a New York nella prossima primavera 2019

prenderà in considerazione l’attività espositiva e didattica dello Studio

Museum Harlem del Bronx Museum of the Arts , del Brooklyn

Museum e del DIA Art Foundation a NYC e DiaBeacon.


Cercherò di capire come le generazioni nate dopo il 1988 hanno e

stanno avendo accesso ai dipartimenti espositivi dei musei presi

inconsiderazione, da quali colleges provengono, quindi da quali paesi.

Cercherò di approfondire le zone di ricerca, gli orientamenti, dando

precedenza in questa prossima sessione primaverile alle ricerche

che possono riguardare la Pittura Contemporanea.

Tutta l’archiviazione/ricognizione prodotta dal progetto di ricerca

sarà poi consegnata come materiale di studio

agli studenti del mio Corso di Pittura e soprattutto riservata

a quelli iscritti al biennio di specializzazione che potranno così

stabilire contatti e relazioni con quegli studenti/artisti 

della stessa generazione già entrati o che stanno entrando

nel dibattito ufficiale del sistema dell’arte, provenienti dai centri

di Alta Formazione Artistica Internazionale.


Educational Project


I toss a coin in the air,

As it rotates, its face reflects over France, at least as far as the original idea of Enlightenment is concerned.

Claud Monet’s masterpiece, in its essence, definitively throws into crisis that which 

in the West forced the whole art system to be encased in the ‘Museum”.

Prior to the "Museum", Western art as we know it essentially belonged to the Church.

Claud Monet, with his "Impression solei levant", revolutionized art history, taking it back, paradoxically, to a classical idea, within which man could speak in the first person of events that until now had been the reserve of the Gods.

"The sun of modernity appeared on the water, perfectly casting the black figures of sailors on their black boat, on that sea of light that would finally allow them to be protagonists, small black sailors".

Light gives figures a new possibility to exist. 

At daybreak, rising up from the darkness, the new landscape gets ready to take on the aspects lent to it by the new light of that day.

Shapes will repossess their matter, which until that moment had been deadened by the darkness,

Escape from the darkness it is a condition not immediately owned by theatre.



Will have the possibility that light originally had; that of imposing its rules upon images.

That images were born of darkness, for seventeenth century Italian painting, was painting’s most complete subjection of dramaturgy. Rembrandt himself in "The Night Watch" managed to stage something that theatre at the time could never itself convey.

Monet is a modern man, he sweeps away the darkness from painting, cleaning up the base of his canvas.

He begins a new style of painting which springs from a white background.

In Illuminations, one might think of a painting that didn’t want give black credit for the brightness of the night, night for the modern man, plunged into shadow by the light. 

Modern nights would come to be an overabundance of lights, just as the lights over Ansan recall the best Italian Futurist painting. Ansan reminds me of "The City Rises", Boccioni, on that white canvas, painted a night full of light.

For Ansan I envisage that which stunned me when I was there: above all, the students' predisposition to "Illuminate themselves", but also that of the artists who teach these students, as if everyone on campus were together waiting for the new day. It was as if they had transformed the night to their liking and filled it with lights. This is in itself a great idea, Baroque, if one imagines being in a "theater of life”.

Illuminations should be a standing ovation to light, which is not only understood as a source, but also as a method. Images take on their daily form, passing from the artificiality of lighting, to its amplification, which we refer to as “natural light".

But before getting down to the compromises of details that will lead to the drafting of a subject, I first wish to take a deeper look at the origins, the "Pretexts".

For painting, the origin of light immediately re-evokes modernity. It evokes the Impressionist period, the United States at the time when Pop culture philosophically underlined that which historical Impressionism had scientifically launched, after which Baudrillard and postmodern philosophy implemented their philosophical recycling systems.

We could devise a route of study, which in the months leading up to the October event would allow us to analyse and go into depth, cooperating together, with Prof. Tay Yoo, Prof. Susan McDonald, Prof: Renata Sheppard, Prof: Andrea Paciotto, and the teacher who made the lights for the October Festival.

We could build a curriculum focused on the power of lighting as a way of removing darkness from the scene.

TO further aid us, we could subsequently find inspiration in the disciplines of Contemporary Painting and Contemporary Art, as well as Choreography, Drama, Cinematography and Lighting.

We can truly think of staging the universally understood concept of Illumination.

I would involve the students and teachers in an in-depth look at what light is in the history of art, then – in more detail – in the history of contemporary art, and how it has seduced artists to the extent that some sacrificed their entire career to the study of it.

We’ll look at Giorgione’s Tempest and Turrel, but also younger artists that we will learn about together.




"From Giorgione to Turrel",

It's an excuse that I use above all to reflect on the problem

"the light to the light",

Light as a pitfall within light, the fact that light belongs to the history of painting is trivial enough to immediately contradict, if we consider it as a pitfall

In Illuminations, the involvement of an evolutionary learning style that aims for success in results, a meeting of disciplines, connected within the higher education system of Contemporary Art, could lead to unexpected results.

I believe, for example, that it is necessary for new generations who are studying in these universities, to examine what Contemporary Art is at its best, and how it can be used by the student in terms of their own artistic expression.

The study of the languages of the artists who, in the debate of contemporary art, have indispensable adoptable codes, which have been used by new generations almost as if they were Ready-Mades.

The lessons of "Illuminations", should be "Theoretical", from the moment when we look at the artists we are going to analyse and who will be cited in our “Representation", and "Practical" work or in the studio, and when we begin to create the systems which – in terms of technical and lighting issues – we require in order to build the scenic system of our work.

The characteristics of the work are site-specific and therefore connected to the territory, "Landart", but they are also transportable and translatable, thanks to the Department of cinematography coordinated by Prof. Tay Yoo.

Some bright architectural equipment can therefore be designed at Ansan and can remain at Ansan, but there will also be films. Changing the format in this way,

they can be used for a miniaturisation of the representation.

As I was on the plane returning from Ansan, I watched a little film set in an Art college:

The scene of a woman teaching painting using a large calligraphy brush. It made me imagine a Ready-Made scene, all in black, performed by a group of 5 or so schoolgirls dancing duets with giant calligraphy brushes, suspended on the scene, dipping them inbuckets of fluorescent colours. It would be a polychrome scene born from black – Spectacular!

This is a first draft for an idea of collaboration at Ansan. I believe that together, we could work to create a very interesting project.


* Peter Halley, Scritti sull’arte e altro, Prefazione: Demetrio Paparoni, Tema Celeste, Siracusa 1990

* Jeffrey Deitch, Post Human, Dan Friedman, Editore N.Y Distributed Art  Publisher, Amsterdam, Idea Books, cop 1992

      * Achille Bonito Oliva, Saretto Cincinelli, Process Painting, Editore L’attico Roma,    1993

              * Francesca Alinovi,L’arte mia, Il Mulino, Bologna,1984


Lunedì e Martedì 10.00 – 13.00 / 14.00 – 17.00

Orario di ricevimento:

Lunedì e Martedì 10.00 – 13.00 / 14.00 – 17.00

Previsti esoneri: No
Previste revisioni: No
Altre informazioni:
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